Fotógrafos, premios y análisis

CRISTINA GARCÍA RODERO:

Nació en Ciudad Real en 1949, empezó su carrera docente a los 25 años, dando clases de dibujo en Madrid. A los 34, comienza a dar clases de fotografía en la facultad de Bellas Artes (Madrid).

En 1996 consigue el Premio Nacional de Fotografía, y en el 2005 entra a formar parte de "Magnum", la agencia fotoperiodística, siendo la primera persona española en conseguirlo. 

“Intento fotografiar lo misterioso, lo real y lo mágico del alma popular de España, con toda su pasión, amor, humor, ternura, odio y dolor. En su pureza. Y los momentos más intensos en las vidas de los que viven, tan simples como irresistibles, con toda su fuerza, como un reto personal que me da fuerza y comprensión y en el cual pongo todo mi corazón.”- Cristina sobre su libro de fotografía "España Oculta".

VENEZUELA. María Lionza rituals. (2006)

De su último proyecto: Entre el cielo y la tierra.

"Quiero hablar sobre el ser humano, las dualidades y contradicciones de la vida, las viejas tradiciones y los nuevos rituales, lo natural y lo sobrenatural, lo religioso y lo pagano, el dolor y el placer, los humanos y los dioses, el espíritu y el cuerpo, el agua y la tierra. , vida y muerte."

•  Es espontánea, ya que la mayoría de sus fotografías son para reportajes 
• Con Formato Horizontal
• Cámara digital, en blanco y negro.
•   La luz (con las velas), los puntos (las personas tumbadas) y las líneas (de sal/arena del suelo), la fotografía no es exactamente simétrica, pero si que hay un orden y un patrón por cómo están colocados los cuerpos y tiene, por lo que creo, una perspectiva de superposición.
• La iluminación es directa. Los focos de luz, en este caso las velas, rodean los cuerpos, así que les llega por todas las direcciones. Menos a la chica que está agachada, en ese caso la luz es nadir.
• f16, 1/500, iso 800
• Guía la mirada del espectador a los cuerpos iluminados tumbados en el suelo y su mirada va desde la chica que está más cercana y con una expresión corporal más sorprendente, a la chica que está agachada a la derecha y finalmente al resto de cuerpos y focos de luces, cómo las vírgenes de la izquierda.
•  La fotografía está sacada desde un ángulo picado, ya que está realizada desde un pano ligeramente alto, para ver a los cuerpos y sus expresiones y no es cenital para no perder la intimidad y cercanía del espectador.
•  Es un plano general, diría yo, porque está mostrando el "paisaje" y a las personas, pero todavía no se centra en nadie, ni parece que lo vaya a hacer.

• Tiene una finalidad expresiva porque se muestran las expresiones tanto faciales como corporales de las personas y religiosa ya que muestra un rito fruto ya sea de una religión o una tradición y ligeramente informativa, ya que pertenece a un reportaje.

• La fotógrafa quiere contar lo que ve "a través de sus ojos" cómo dice ella, muestra un rito religioso (ya que hay cruces dibujadas) se tratan de la secta de María Lizona que básicamente pretender limpiar el espíritu.
•  Me transmite distintas cosas, dependiendo de dónde fije la vista, ya que cada cuerpo me transmite una emoción distinta desde miedo, incertidumbre hasta paz, esperanza...

ALBERTO GARCÍA ALIX

 Nació en León en 1956, le dieron el premio nacional de fotografía en 1999. Su obra se admira en periódicos y revistas cómo  vogue,vanity fair... Y formó parte de la llamada Movida Madrileña, y se caracteriza por su gran dedicación por los retratos, ha retratado a gente como: Pedro Almódovar, Camarón de la isla, Emma Suárez...Y también le caracterizan sus retratos de desnudos y sus fotografías libres de pudor y vergüenza.

Tarde de San Isidro 1987 (proyecto "de dónde no se vuelve")

•  Es espontánea aunque ella esté mirando a la cámara.
• Formato horizontal
• Cámara digital, en blanco y negro.
• Los puntos podrían ser las cabezas, las dos circunferencias del edificio del fondo y el propio corro que está haciendo la gente. Las líneas son las propias personas y la textura es normal, no abusa del grano. Es asimétrica con una perspectiva de superposición, de la chica del medio, al resto del corro.
•  Iluminación directa y no artificial, no hay muchas sombras. Y apunta a todos por igual.
• La mirada del espectador está dirigida a la chica del medio, por su evidente protagonismo (tanto por el lugar en el que está colocada como por su función en la escena), ella es el principal punto de interés, después nos fijamos en la chica de blanco que está detrás suyo, debido al contraste de colores, luego al chico de la derecha, por su estatura y expresión facial, y finalmente pasamos la mirada por todos los demás ya que cada uno tiene una expresión distinta.
• Desde un ángulo frontal o normal, para dar más fuerza a las miradas.
•  Plano entero, se muestran los cuerpos completos de todos los personajes.
• f22, 1/250, iso400

• Función expresiva y simbólica, ya que lo que se está realizando es una especie de espectáculo y ese conjunto de personas es un corro, y ese es un símbolo que representa algo que se lee entre líneas aunque mucha gente sepa que es.

•  Forma parte de la serie de fotografías pertenecientes a la movida madrileña, se muestra a una mujer con mucho poder y una mirada fuerte en medio de un corro de espectadores, de todos los perfiles reaccionando a eso.
•  Esta imagen me causa muchas cosas, lo que me ha hecho escogerla ha sido la mirada de la mujer, me transmite mucha fuerza. Y como las miradas reaccionan a ella me produce mucha curiosidad. No está nada claro que ocurre en la fotografía, pero hay gente escandalizada, avergonzada, impresionada. He leído que a este fotógrafo a veces se le caracteriza por esas miradas, muchas veces perdidas

CHEMA MADOZ:

Nació en Madrid en 1958, consiguió el Premio Nacional De Fotografía en el 2000. Su fotografía se basa en objetos bien iluminados y retratadas de formas muy ingeniosas, jugando con los dobles sentidos y la imaginación.

• Fotografía Planificada 
• Formato horizontal
• Cámara digital en blanco.
•  Los puntos podrían ser la cabeza del espejo, las líneas de las piezas del `puzzle, es simétrica si la cortas de forma horizontal.
• Iluminación directa y artificial. Dirige la mirada al objeto, más bien al cristal del espejo.
• Guía la mirada claramente al espejo que es lo único que se observa en el encuadre. Esto hace que, al ser una imagen tan minimalista, el espectador piense que representa.
• Ángulo picado casi nadir. 
• f22, 1/500, iso800
• Plano Entero (PE).

• Finalidad Simbólica, ya que tienes que leer entre líneas e mensaje de la imagen, ya que de primeras es simplemente un espejo. 

•  Esta imagen es de las pocas suyas que me ha transmitido un mensaje más profundo que el único juego de "palabras" y doble sentido. Creo o más bien interpreto que nuestra imagen es una maqueta que nosotros creamos.
• Es de las únicas que me ha hecho plantearme cosas y reflexionar.

OUKA LEELE:

Bárbara Allende Gil de Biedma, más conocida por su nombre artístico Ouka Leele (cogió ese nombre por una pintura del "hortelano" en la que una de las estrellas se llamaba así) Madrid,1957, es una artista, pintora, poeta y fotógrafa española.Su tío Jaime Gil de Biedma fue un gran poeta. Ganó en 2005 el Premio Nacional de Fotografía. Fue una de las principales protagonistas de la Movida Madrileña.

Describe la fotografía como: "poesía visual, una forma de hablar sin usar las palabras".

Disparatando en Fuendetodos

  2018

•  Es planificada, pero ouka lelee llama a sus ideas "semillas" y deja que crezcan dependiendo del momento justo de sacar la fotografía y de las necesidades de los que participan en ellas.
• Formato  horizontal
• Cámara digital, a color.
•  Las líneas son las de la casa y los puntos las personas ,  predomina el color y aún más por la edición posterior de este.
•  Iluminación directa.
• f22, 1/250, ISO 1600
•  La mirada del espectador no se centra principalmente en nada, ya que como se ve en el título de la obra tampoco pretende hacer eso. Y tiene una perspectiva de superposición.
• Ángulo frontal o normal. 
• Plano Entero (PE).

• Función estética, ya que muchas de sus obras se centran en hacer poesía visual como ella dice, también se observa en los colores y en parte informativa ya que muestra la casa de la infancia de goya.

• ¿La imagen está inspirada en "los disparates" de Goya. Y junto a gente del pueblo, montan uno delante de la casa de este.
• Sin saber el trasfondo que tenía, me ha transmitido mucha alegría y paz.

JOSÉ MANUEL BALLESTER

José Manuel Ballester (Madrid, 1960) es un pintor y fotógrafo español, Premio Nacional de Fotografía en 2010, su carrera artística se inició en la pintura (pintando cuadros famosos sin personajes en ellos) con especial interés por la técnica de las escuelas italiana y flamenca de los siglos xv y xviii.

A partir de 1990, se centró en la fotografía arquitectónica.

Altos hornos de Vizcaya 18, 2004.

• Fotografía Planificada.
•  Formato Horizontal.
•  Cámara digital, a color.
•  No parece haber puntos en esta fotografía, pero sí lineas, se ven en esas escaleras, en esos hornos tan esquemáticos y fríos, también se apoya en los colores pálidos, tristes y crudos. Es una fotografía asimétrica pero casi simétrica como la mayoría de sus otras fotos.  Tiene una perspectiva de superposición o posición de los objetos, pues un horno se superpone al otro. Aunque en sus fotografías abundan las perspectivas angulares y aéreas.
• Tipo de iluminación: difusa,directa. Dirección de la luz  
• Centra la mirada del espectador en esos dos hornos por ese amarillo apagado que tienen y su evidente tamaño,luego guía al espectador a ese laberinto de escaleras y tubos y finalmente al paisaje del fondo. 
• f22, 1/500, ISO400
• Está sacada desde un ángulo normal o frontal.
• Plano general. (PG)
• Función estética, ya que busca a belleza en la arquitectura y esos lugares inmensos pero desiertos. Y un poco expresiva quizás, porque pretende que sientas algo al ver esos lugares tan solitarios y crudos.
• Puede que intente expresar ya sea la soledad que siente o ha sentido mediante fotografías arquitectónicas.
• Me ha trasmitido tristeza sobretodo por los colores, el amarillo y el azul tan poco saturados. Y la grandeza y el poder que tienen los edificios, lo quita ese sentimiento de vacío y soledad que transmite.

ISABEL MUÑÓZ:

Nacida en Barcelona en 1951 y reconocida con el Premio Nacional de Fotografía de España 2016, mismo año en el que tuvo un accidente en Tailandia que te hizo darse cuenta de lo efímera que es la vida, y con dos World Press Photo. Ha sido galardonada también en PhotoEspaña y distinguida con la Medalla al Mérito de las Bellas Artes.

Serie Agua 2017

• Es una fotografía planificada
• Formato vertical
•  Cámara digital. A color.
•  Los puntos podrían ser algunas partes del cuerpo, las líneas de la tela, las ondas del mar. Y lo que más predomina es el color, el rojo de la tela en contraposición al pálido cuerpo del modelo. Es asimétrica con una perspectiva que da profundidad mediante el negro del fondo y los reflejos del agua
• Iluminación difusa, ya que ilumina solo al sujeto y no al resto de la imagen.
•  La mirada es guiada al cuerpo y su expresión y a la tela por su color.
•  Sacada desde un ángulo frontal, ligeramente contrapicado.
• F16/8, 1/250, ISO400
•  Plano entero (PE)

• Función expresiva y estética. 

• La persona tiene la cabeza medio hundida medio no, así que no está ahogándose del todo eso podría significar algo, pero lo que más cuenta algo es la expresión corporal del modelo, esos músculos y pies tensos en contraposición a la ligereza que debería haber al estar debajo del agua. Y luego esa tela roja.
• Me ha transmitido tensión y poder y un poco de enfado.

 CRISTINA DE MIDDEL:

Nació en Albacete en 1975, en 2013 recibió el premio Infinity del Centro Internacional de Fotografía y en 2017 el Premio Nacional De Fotografía.

Según la crítica, combina trabajos documentales con otros personales donde cuestiona el lenguaje y la veracidad de la fotografía como documento y juega con reconstrucciones o arquetipos que difuminan la frontera entre la realidad y la ficción.

Ha trabajado como fotoperiodista para diferentes periódicos españoles y ONG antes de decidir dedicarse a un trabajo más artístico y personal. Desde 2016 forma parte de la Agencia Magnum.

Excessocenus 2016

Cristina de Middel y Bruno Morais

Una exploración visual del exceso en territorios que están más expuestos a problemas ambientales y menos preparados para sus consecuencias.

• Fotografía planificada.
• Formato horizontal.
•  Cámara digital, a color.
•  Los puntos son las pegatinas y las líneas de la madera de la mesa, silla... Los colores de las pegatinas contrastan con los del fondo y la piel de los niños. Fotografía asimétrica y perspectiva de superposición.
• Iluminación ,directa desde una ventana a los niños.
•  La mirada va directamente a las pegatinas del cuerpo de los niños y a sus miradas porque son lo que más contrastan.
• F22, 1/500, ISO800
• Ángulo picado.
• Primer Plano (PP)

• Función informativa, ya que es un reportaje y un poco simbólica ya que cada grupo de pegatinas simboliza un género, según algunos miembros de la sociedad.

• El quinto Objetivo de Desarrollo Sostenible de la ONU dice: "Lograr la igualdad de género y empoderar a todas las mujeres y niñas". A pesar de esto, los gobiernos y los fabricantes de artículos personales continúan produciendo piezas que refuerzan la discriminación de género. 
• Primero, me ha llamado mucho la atención las pegatinas, pero no me había parado a mirarlas en profundidad por lo que no me he dado cuenta del mensaje que transmite hasta que lo he leído. Antes, me transmitía paz, juego, alegría, curiosidad...